NIKHIL CHOPRA – ANTONY GORMLEY – GALLERIA CONTINUA, SAN GIMINIANO (SI)

GALLERIA CONTINUA
Via del Castello 11, San Gimignano (SI), Italia
tel. +390577943134 fax +390577940484 info@galleriacontinua.com www.galleriacontinua.com

NIKHIL CHOPRA
inside out
Site-specific performance from Wednesday 25 April 11 am until Sunday 29 April 2 pm
Via Arco dei Becci 1, San Gimignano
Opening Saturday 28 April 2012 from 6 pm to midnight
The installation will remain on view to the public until 20 August 2012, Tuesday-Saturday, 2-7pm

“He who walks with difficulties along the road of virtue, even if it be both rocky and full of thorns, at the end of the climb finds himself at last in a broad plain, with all the happiness he yearned for. And looking down, seeing the cruel path he has trodden amidst perils,… with great contentment blesses those labours that had earlier caused him so much pain. And so making up for the suffering of the past with the delight of the present, without toil though he tries to make those who watch him understand how the heat, cold, sweat, hunger, thirst, and hardship he suffered to acquire virtue, may free others from poverty and lead them to that safe and tranquil state….” Giorgio Vasari, Vite de’ più eccellenti pittori, scultori e architettori italiani, da Cimabue insino a’ tempi nostri (1550), quoted by Cristina Acidini Luchinat in her biography Benozzo Gozzoli* (Scala Publishing,1994).

*Notes: Benozzo Gozzoli was the artist who painted in 1464 the celebrated fresco cycle, Storie della vita di Sant’Agostino (Scenes from the Life of Saint Augustine), in the chapel of the choir in the Church of Sant’Agostino in San Gimignano.
Galleria Continua is pleased to present inside out, the first solo show in Italy by the Indian artist Nikhil Chopra.

Nikhil Chopra’s rise to prominence on the international art scene began in 2008, when the artist was invited to contribute to Time Crevasse (Yokohama Triennale, Yokohama), Chalo India! (Mori Art Museum, Tokyo) and Indian Highway (Serpentine Gallery, London). In 2009 he showed his work in Oslo, Barcelona, Brussels, and also took part in Making Worlds (53rd Venice Biennale) and Marina Abramovic Presents (Manchester International Festival, The Whitworth Gallery, Manchester).

Chopra’s artistic practice ranges between live art, theatre, painting, photography, sculpture and installations. His performances, in large part improvised, are a critical investigation of post-colonial Indian subjectivity, which he describes as being “obsessed by nostalgia for the British Raj”. Through the direct experience of performance, the artist examines themes relating to colonialism, racism, exoticism and sexuality. His work dwells on issues such as identity, the role of autobiography, the pose and self-portraiture, reflects on the process of transformation and the part played by the duration of performance. Taking autobiographical elements as his starting point, Chopra combines everyday life and collective history; daily acts such as eating, resting, washing and dressing, but also drawing and making clothes, acquire the value of ritual, becoming an essential part of the show.

inside out is a site-specific performance conceived by Chopra for the Galleria Continua in San Gimignano. The performance, the longest realized to date by the artist, will last for 99 hours, beginning at 11 am on Wednesday 25 April and ending at 2 pm on Sunday 29 April. During this period of time, the artist will assume the guise of different personae to embody history and memory, and will walk around in the streets of the town and in the surrounding area. In the course of the performance, Chopra will produce a series of drawings of San Gimignano and of the Tuscan landscape. The drawings and their installation will be executed both outside and inside the Arco dei Becci exhibition space, which will be the artist’s abode for the duration of the performance. The installation, the result of four days of performance, will remain on public display until 20 August 2012. The costumes for the performance inside out are designed by Sabine Pfisterer.

Nikhil Chopra was born in Calcutta in 1974, and lives in Mumbai. After studying at the Faculty of Fine Arts at Maharaja Sayaji Rao University in Baroda, India, the artist continued his studies in the United States, where, in 2003, he had his first solo exhibition, SIR RAJA II. A few years later he once again showed in the States, in collective exhibitions in 2005 and 2006, the latter at the Brooklyn Museum of New York. Recent shows include the solo exhibition Yog Raj Chitrakar: Memory Drawing IX, at the New Museum of New York in 2009, and the group shows Production Site: The Artist’s Studio Inside-out at the Museum of Contemporary Art in Chicago (2010); Generation in Transition: New Art from India at the Zacheta National Gallery of Art in Warsaw (2011). The artist recently made the film Man Eats Rock in collaboration with Munir Kabani for the H Box, presented at the Artsonje Center in Seoul, at the Today Art Museum in Beijing and at the Guangdong Museum of Art in Guangzhou (2011).

Sir Raja, Yog Raj Chitrakar and, more recently, Drum Soloist, are the characters who have given form to Chopra’s narratives in recent years. The figure of Sir Raja was born in 2002 during the time the artist spent in the United States, and was inspired by a series of portraits of maharajas and Indian nobles by the late nineteenth-century photographer Raja Deen Dayal. Yog Raj Chitrakar, on the other hand, was inspired by Yog Raj Chopra, the artist’s grandfather, who studied painting in England in the 1930s, and used to paint landscapes of Kashmir. “My grandfather’s paintings adorned the walls of our family home. I would look at them for hours when I was growing up. They evoked in me a profound nostalgia for a place which became inaccessible to us after 1989, when the Kashmir separatist movement began to gain ground. His paintings were like windows on the past: on summers spent at my grandparents’s home next to a river and surrounded by the unspoilt mountains of the Himalayas.” In Chopra’s interpretations, Yog Raj becomes an endlessly versatile, many-faceted figure: Victorian dandy and traveller, man and woman, painter and soldier. His drawings and landscapes offer themselves to us as a kind of chronicle of the world in which we live. During recent stay in Berlin (2011-2012), Chopra has taken to more expressionistic personae where the drawings have extended on to his costumes and body to create a grotesque blackened or whitened self.

For further information about the show and for photographs:
Silvia Pichini, Communication Manager: press@galleriacontinua.com, mob. +39 347 45 36 136

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NIKHIL CHOPRA
inside out
Site-specific performance da mercoledì 25 aprile ore 11.00 a domenica 29 aprile ore 14.00
via Arco dei Becci 1, San Gimignano
Inaugurazione sabato 28 aprile 2012 dalle 18.00 alle 24.00
L’installazione resterà visibile al pubblico fino al 20 agosto 2012, da martedì a sabato, 14.00-19.00

“Chi camina con le fatiche a la strada della virtù, ancora che ella sia (come e’ dicono) e sassosa e piena di spine, a la fine della salita si ritruova pur finalmente in un largo piano, con tutte le bramate felicità. E nel riguardare in basso, veggendo i cattivi passi con periglio fatti da lui… con grandissimo contento suo benedice quelle fatiche che già tanto gli rincrescevano. E così ristorando i passati affanni con la letizia del bene presente, senza fatica pur si affatica per far conoscere a chi lo guarda come i caldi, i geli, i sudori, la fame, la sete e gli incomodi che si patiscono per acquistare la virtù, liberano altrui da la povertà e lo conducono a quel sicuro e tranquillo stato…” Da Giorgio Vasari nel suo Vite de’ più eccellenti pittori, scultori e architettori italiani, da Cimabue insino a’ tempi nostril (1550) citato da Cristina Acidici Luchinat nella sua biografia Benozzo Gozzoli* (Casa Editrice Scala, 1994).

*Note: Benozzo Gozzoli è autore del celeberrimo ciclo di affreschi, Storie della vita di Sant’Agostino, che realizza nel 1464 nella cappella del coro della chiesa di Sant’Agostino a San Gimignano.
Galleria Continua è lieta di presentare inside out, la prima mostra personale in Italia dell’artista indiano Nikhil Chopra.

L’ascesa di Nikhil Chopra all’establishment artistico internazionale ha inizio nel 2008 quando l’artista viene invitato a prendere parte a Time Crevasse (Yokohama Triennale, Yokohama), a Chalo India! (Mori Art Museum, Tokyo), a Indian Highway (Serpentine Gallery, Londra). Nel 2009 espone a Oslo, Barcellona, Brusseles, partecipa inoltre a Making Worlds (53° Biennale di Venezia) e a Marina Abramovic Presents (Manchester International Festival, The Whitworth Gallery, Manchester).

La pratica artistica di Nikhil Chopra sconfina tra live art, teatro, pittura, fotografia, scultura e installazione. Le sue performance, in gran parte improvvisate, indagano in modo critico la soggettività indiana post-coloniale, da lui descritta come “ossessionata dalla nostalgia per il British Raj”. Attraverso l’esperienza diretta della performance l’artista esplora in chiave critica tematiche legate al colonialismo, al razzismo, all’esotismo e alla sessualità. Il suo lavoro prende in esame questioni come l’identità, il ruolo dell’autobiografismo, della posa e dell’autoritratto, riflette sul processo di trasformazione e sul valore della durata della performance. Partendo da elementi autobiografici, Nikhil Chopra mescola vita quotidiana e storia collettiva; nelle sue rappresentazioni atti quotidiani come mangiare, riposare, lavarsi, vestirsi ma anche fare disegni e creare abiti, acquistano la valenza del rito diventando parte fondante dello spettacolo.

inside out è una performance site-specific che Nikhil Chopra concepisce per Galleria Continua di San Gimignano. La performance – la più lunga mai realizzata fino ad oggi dall’artista – avrà una durata di 99 ore: inizierà mercoledì 25 aprile alle ore 11.00 e terminerà domenica 29 aprile alle ore 14.00. Durante questo arco di tempo l’artista assumerà le sembianze di persone diverse per incarnare la storia e la memoria, passeggerà per le vie della città e nei suoi dintorni. Nel corso della performance Chopra realizzerà una serie di disegni di San Gimignano e del paesaggio toscano. I disegni e la loro installazione saranno effettuati sia all’esterno sia all’interno dello spazio espositivo dell’Arco dei Becci che costituirà la dimora dell’artista per tutta la durata della performance. L’installazione, frutto dei quattro giorni di performance, resterà in esposizione fino al 20 agosto 2012.  I costumi della performance inside out saranno disegnati da Sabine Pfisterer.

Nikhil Chopra nasce a Calcutta 1974, vive Mumbai. Formatosi alla facoltà di Belle Arti della Maharaja Sayaji Rao University di Baroda in India, l’artista prosegue i suoi studi in America dove nel 2003 realizza SIR RAJA II, la sua prima mostra personale. Torna nuovamente ad esporre negli Stati Uniti in mostre collettive nel 2005 e, nel 2006, al Brooklyn Museum di New York. Tra le mostre più recenti ricordiamo la personale Yog Raj Chitrakar: Memory Drawing IX realizzata al New Museum di New York nel 2009 e le collettive Production Site: The Artist’s Studio Inside-out al Museum of Contemporary Art di Chicago (2010); Generation in Transition: New Art from India presso Zacheta National Gallery of Art di Varsavia (2011). Nel 2011 realizza inoltre, in collaborazione con Munir Kabani per H Box, il film Man Eats Rock presentato al Art Sonje di Seoul; al Today Art Museum di Pechino e al Guangdong Museum of Art di Guangzhou.

Sir Raja, Yog Raj Chitrakar e, più di recente, Drum Soloist sono i personaggi che in questi anni hanno dato forma alle narrazioni di Nikhil Chopra. La figura di Sir Raja nasce nel 2002 durante un soggiorno dell’artista negli Stati Uniti e prende spunto da una serie di ritratti di maharaja e di nobili indiani realizzati dal fotografo tardo ottocentesco Raja Deen Dayal.

Yog Raj Chitrakar si ispira invece a Yog Raj Chopra, nonno dell’artista che negli anni ’30 aveva studiato pittura in Inghilterra ed era solito dipingere i paesaggi del Kashmir. “I quadri di mio nonno adornavano le pareti della nostra casa di famiglia, sono cresciuto guardandoli per ore. Hanno evocato in me una profonda nostalgia per un luogo che per noi è diventato inaccessibile dopo il 1989, quando si è affermato il Movimento Separatista del Kashmir. I suoi dipinti erano come finestre sul passato: sulle estati trascorse con i miei nonni, nella loro casa fiancheggiata da un fiume e circondata dalle montagne incontaminate dell’Himalya”. Attraverso le interpretazioni di Nikhil Chopra, Yog Raj si arricchisce d’infinite sfaccettature trasformarsi in un personaggio estremamente versatile: dandy vittoriano e viaggiatore, uomo, donna, pittore e soldato. I suoi disegni e i suoi paesaggi si offrono come una sorta di cronaca del mondo in cui viviamo. Nel corso del recente soggiorno a Berlino (2011-2012), Chopra ha scelto di interpretare personaggi più tendenti all’espressionismo nei quali i disegni si estendono sui costumi e sul corpo al fine di creare un sé grottesco tramite lo sbiancamento o l’annerimento.

Per ulteriori informazioni sulla mostra e materiale fotografico:
Silvia Pichini responsabile comunicazione press@galleriacontinua.com mob 347 45 36 136

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ANTONY GORMLEY
VESSEL
Opening: Saturday 28 April, 2012, Via del Castello 11, 6pm-midnight
Until 20 August 2012, Tuesday-Saturday, 2-7pm
Symposium: Re-imagining the city
Teatro dei Leggieri, P.zza Duomo, Sunday 29 April 2012 from 10:30 am to 1:30 pm

Galleria Continua is pleased to present, for the first time in its San Gimignano gallery, the work of Antony Gormley, one of the greatest contemporary English sculptors.

Following the exhibition at GALLERIA CONTINUA / Beijing in 2009 and the solo show currently on view at GALLERIA CONTINUA / Le Moulin, Gormley is presenting VESSEL, which includes a major new work specifically conceived for the former theatre-cinema of San Gimignano. With this exhibition the artist is adding to a rich programme of special events in Italy and around the world: between April 2012 and January 2013, Gormley’s work will be presented in a group show at the Galleria dell’Accademia in Florence, and in solo shows at the Deichtorhallen Hamburg GmbH in Germany and in Brazil at the Centro Cultural Banco do Brasil in São Paulo, Rio de Janeiro and in Brasília.

Gormley’s explorations of body, space and time continue to test environment, form and feeling, often pitting one against the other. This exhibition interrogates the body through architecture, asserting it as both a model of spatial organisation and subject to gravitational force, articulating the tensions as well as convergences between the human animal and his or her habitat.

In a sequence of twelve new solid iron blockworks, Gormley puts the formal purity of Modernist abstraction to work to evoke and provoke inner states. These works use the language of stacking, propping and cantilevering, and mass, familiar from the work of Richard Serra to objectify the experience of embodiment; to produce a somatic sense of containment or conditioning that exists within urban man.

Blurring the distinctions between content and context, the twelve massive castings are contrasted with the space frames of a new BREATHING ROOM. Sited in the empty tower at the north of the Galleria Continua and constructed from seven interconnecting luminous frames all of an equal volume, the work encourages self-observation on the part of the viewer within a luminous matrix. The work is a concentration chamber for an abstract and temporal evocation of the second body: that of architecture.

The exhibition contains some foundational works. BASE is a two metre square solid concrete slab that encloses a void impression of an absent body, identifiable through the holes created by the soles of the feet, palms of the hand and the brain cavity. Also on view are two versions of EDGE, installed perpendicular to the wall, providing a haptic destabilisation of the architecture.

The fulcrum of the show is a large-scale work entitled VESSEL, which also acts as a trait de liaison between the exhibition project at San Gimignano and Gormley’s project for Galleria Continua’s French venue. At Le Moulin, his investigation of the different variables in the relationship between the human body and living space is articulated in SPACE STATION, a vast 23 tonne sculpture enterable by a small passage in the side of the work. VESSEL is made out of 39 interconnecting rectangular steel boxes that reverse the renaissance trope of the city in the form of a man by making a man in the form of a city. This recumbent anti-monument, perhaps seen at first as an off-kilter work by Donald Judd, now provokes greater questions about the social and inspirational role of sculpture and its potential to provide direct bodily experience.

Four new works use the bubble-matrix principle to explore the way in which bubbles, the most fugitive of forms, coalesce to create cloud forms. Here is a language derived from the structure of matter and applied to the body to illuminate its temporal nature. They are complimented by SUM, made from an association of solid polyhedral forms expanded and arranged directly on the floor.

In the gallery’s garden Gormley will install a double sculptural work in marble. The work tests the evolution of art in the age of mechanical reproduction, transforming bone, skin and muscle into a finished work of crystalline geometric rigour not dissimilar to the structure of marble itself. As in 2 x 2, shown at the 2010 Carrara Biennale, Gormley creates the image of a body that is inspired by the great artistic tradition of the nude, but at the same time reflects our new knowledge about the sub-optical properties of matter.

Recalling past projects such as FAI SPAZIO, PRENDI POSTO (MAKING SPACE, TAKING PLACE) from 2004, the exhibition will continue outside the gallery and into the streets and cells of San Gimignano with an invasion of six identical body forms, including one placed on a tower close to the town’s main piazza. This installation, realized in collaboration and with the patronage of the Municipality of San Gimignano, considers how the social role of sculpture has shifted from that of memorial and heroism to that of a reflexive object which encourages the viewer to be aware of his or her own position in space and time.

This installation and exhibition see the artist trying to reconcile the subjective space of the individual with the idea of the expanding universe, questioning how the human project fits into the scheme of things.

On the occasion of this solo show, the symposium “Re-imagining the city”, on the relationship between the city and human beings, will be held on 29 April at 10.30 am at the Teatro dei Leggieri in San Gimignano. Participants will include Antony Gormley, Germano Celant, Richard Sennett, a professor at New York University and at the London School of Economics, Anna Coliva, director of the Galleria Borghese in Rome and the critic and curator Mario Codognato.

After the show opens a catalogue will be published by Gli Ori.
Antony Gormley was born in London in 1950. In a career spanning nearly 40 years, Gormley has made sculpture that explores the relation of the human body to space at large, explicitly in large-scale installations like Another Place, Domain Field and Inside Australia, and implicitly in works such as Clearing, Breathing Room and Blind Light, where the work becomes a frame through which the viewer becomes the viewed. By using his own existence as a test ground, Gormley’s work transforms a site of subjective experience into one of collective projection. Increasingly, the artist has taken his practice beyond the gallery, engaging the public in active participation, as in Clay and the Collective Body (Helsinki) and the acclaimed One & Other commission in London’s Trafalgar Square.

Gormley’s work has been widely exhibited throughout the UK with solo shows at the Whitechapel, Serpentine, Tate, Hayward Gallery, British Museum and White Cube. His work has been exhibited internationally in one-man shows at museums including Louisiana Museum of Modern Art (Denmark), Malmö Konsthall (Sweden), Kunsthalle zu Kiel (Germany), National Museum of Modern Chinese History (Beijing), Antiguo Colegio de San Ildefonso (Mexico City), Kunsthaus Bregenz (Austria) and The State Hermitage Museum (Russia). Gormley has also participated in group shows at the Museum of Modern Art (New York), the Los Angeles County Museum of Art, the Venice Biennale and Documenta 8 (Kassel, Germany). Major public works include Angel of the North (Gateshead), Another Place (Crosby Beach, Liverpool), Habitat (Anchorage, USA) and Exposure (Lelystad, Holland).

Gormley was awarded the Turner Prize in 1994, the South Bank Prize for Visual Art in 1999 and the Bernhard Heiliger Award for Sculpture in 2007. In 1997 he was made an Officer of the British Empire (OBE). He is an Honorary Fellow of the Royal Institute of British Architects, an honorary doctor of the University of Cambridge and a fellow of Trinity and Jesus Colleges, Cambridge. Gormley has been a Royal Academician since 2003 and a British Museum Trustee since 2007. In April 2012 the artist was awarded the title of honorary citizen of Poggibonsi.

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ANTONY GORMLEY
VESSEL
Inaugurazione della mostra sabato 28 aprile 2012 via del Castello 11, 18.00-24.00
Fino al 20 agosto 2012, da martedì a sabato, 14.00-19.00
Simposio, Re-imagining the city
Teatro dei Leggieri. P.zza Duomo, domenica 29 aprile dalle 10.30-13.30

Galleria Continua è lieta di presentare per la prima volta nei suoi spazi espostivi di San Gimignano l’opera di uno dei più grandi scultori inglesi contemporanei, Antony Gormley.

Dopo la mostra realizzata dall’artista nel 2009 a Galleria Continua / Beijing e la personale in corso a Galleria Continua / Le Moulin, Antony Gormley si presenta al pubblico italiano con il progetto espositivo dal titolo “VESSEL” che include una grande nuova opera appositamente concepita per l’ex cinema-teatro di San Gimignano. Questa mostra va ad arricchire il nutrito calendario di eventi speciali in Italia e nel mondo: tra aprile 2012 e gennaio 2013 l’opera di Antony Gormley sarà ospitata a Firenze nell’ambito di una collettiva alla Galleria dell’Accademia e in alcune personali in Germania al Deichtorhallen Hamburg GmbH di Amburgo e in Brasile presso il Centro Cultural Banco do Brasil a San Paolo, Rio de Janeiro e a Brasília.

Con le sue esplorazioni del corpo, dello spazio e del tempo, Gormley, sottoponendo a una continua indagine l’ambiente, la forma e le emozioni, non manca di metterne in evidenza le discordanze. Interrogando il corpo mediante l’architettura, facendone un modello di organizzazione spaziale soggetto alla forza gravitazionale, l’esposizione “VESSEL” articola le tensioni e le convergenze esistenti tra l’animale uomo e il suo habitat.

In una sequenza di dodici nuove opere costituite da blocchi di ferro massiccio, Gormley mette a frutto la purezza formale dell’astrattismo per evocare e provocare stati d’animo. Queste opere ricorrono a un linguaggio dell’accumulo, del cuneo, dello sbalzo e della massa affine a quello di Richard Serra nel tentativo di oggettivare l’esperienza dell’incarnazione e di produrre un senso somatico di contenimento o di condizionamento insito nell’uomo urbano.

Rendendo labile il confine tra contenuto e contesto, le dodici possenti fusioni in metallo trovano il loro contrappunto di una nuova BREATHING ROOM. Situata nello spazio Torre della galleria, quest’opera, formata dall’intersezione di sette cornici spaziali luminose di eguale volume, incoraggia l’introspezione dello spettatore all’interno di una matrice luminosa. In quanto camera adibita alla concentrazione, l’opera suscita un’evocazione astratta e temporale del secondo corpo: quello dell’architettura.

La mostra ospita altre opere fondamentali: BASE formata da una solida lastra di cemento quadrata che racchiude l’impressione vuota di un corpo assente identificabile grazie alle impronte lasciate dalle piante dei piedi, dai palmi delle mani e dalla testa e due versioni di EDGE, installate perpendicolarmente al muro, per una tangibile destabilizzazione dell’architettura.

Il fulcro dell’esposizione è rappresentato da un’opera di vaste dimensioni intitolata VESSEL che si pone anche come trait de liaison tra il progetto espositivo di San Gimignano e il progetto realizzato da Antony Gormley per la sede francese di Galleria Continua. A Le Moulin l’indagine sulle diverse variabili nel rapporto fra corpo umano e spazio abitativo si declina in SPACE STATION, una scultura di ventitré tonnellate, alla quale è possibile accedere tramite un piccolo passaggio posto a lato dell’opera. VESSEL, composta da trentanove parallelepipedi di acciaio sovrapposti, sovverte il tropo rinascimentale della città a forma d’uomo: infatti rappresenta un uomo a forma di città. Questo anti-monumento supino, che ad un primo sguardo potrebbe ricordare un’eccentrica composizione di Donald Judd, in questa occasione non manca di suscitare grandi interrogativi sul ruolo sociale e ispiratore della scultura e sul suo potenziale in quanto veicolo di un’esperienza corporea immediata.

Quattro nuove opere fanno ricorso al principio della matrice-bolla per esplorare il modo in cui le bolle, tra le forme più sfuggenti, si uniscono in una sorta di nuvola. Mutuato dalla struttura della materia e applicato al corpo, questo linguaggio getta una nuova luce sulla sua natura caduca. Questa serie culmina in SUM, agglomerato espanso di forme solide, poliedriche, disposto direttamente sul pavimento.

Nel giardino della galleria Antony Gormley installa un doppio lavoro scultoreo in marmo. L’opera testa l’evoluzione dell’arte al tempo della riproduzione meccanica, trasformando ossa, pelle e muscoli in una lavorazione dal cristallino rigore geometrico non dissimile dalla struttura del marmo stesso. Come nell’opera 2 X 2 presentata nel 2010 alla Biennale di Carrara, Gormley crea l’immagine di un corpo che si ispira alla grande tradizione artistica del nudo e contemporaneamente riflette le nostre nuove conoscenze delle proprietà sub-ottiche della materia.

Rifacendosi a progetti passati quali FAI SPAZIO, PRENDI POSTO (MAKING SPACE, TAKING PLACE), del 2004, la mostra si estende al di fuori della galleria, nelle strade e nelle piazze di San Gimignano, mediante l’esposizione di sei calchi identici del corpo dell’artista. Questa installazione, realizzata in collaborazione e con il patrocinio del Comune di San Gimignano, tematizza lo slittamento del ruolo sociale della scultura da memoriale celebrativo dell’eroismo a oggetto di riflessione che stimola l’osservatore a prendere coscienza della propria posizione nello spazio e nel tempo. Questa installazione in particolare e l’esposizione nel suo complesso, ci rivelano un artista teso a riconciliare lo spazio soggettivo dell’individuo con il concetto dell’universo in continua espansione, interrogandosi su come il progetto umano rientri in questo ordine di cose.

In occasione della personale, domenica 29 aprile alle ore 10.30 si terrà presso Il Teatro dei Leggieri di San Gimignano un simposio, Re-imagining the city, sul rapporto tra la città e l’uomo. Interverranno Antony Gormley, Germano Celant, il sociologo americano Richard Sennett professore alla New York University e alla London School of Economics, Anna Coliva direttrice della Galleria Borghese a Roma ed il critico e curatore Mario Codognato.

Successivamente all’inaugurazione, verrà pubblicato un catalogo della mostra (casa editrice Gli Ori).
Antony Gormley nasce a Londra nel 1950. Durante la sua carriera artistica, ormai quasi ventennale, Gormley ha costruito sculture che indagano il rapporto fra il corpo umano e lo spazio in generale, esplicitamente in grandi installazioni come Another Place, Domain Field e Inside Australia, e implicitamente in opere come Clearing, Breathing Room and Blind Light, dove l’opera diventa una cornice attraverso la quale l’osservatore viene osservato. Usando la propria esistenza come banco di prova, il lavoro di Gormley trasforma l’esperienza soggettiva in proiezione collettiva. Infatti, l’artista ha portato sempre più spesso la sua ricerca all’esterno delle gallerie, permettendo al pubblico di partecipare attivamente, come nell’opera Clay and the Collective Body (Helsinki) e l’acclamata One & Other, commissionata per Trafalgar Square a Londra.

Le opere di Gormley sono state esposte nel Regno Unito in numerose mostre personali, in particolare alla Whitechapel Gallery, la Serpentine Gallery, la Tate, la Hayward Gallery, il British Museum e la White Cube, ma anche in numerosi musei internazionali, quali il Louisiana Museum of Modern Art (Danimarca), il Malmö Konsthall (Svezia), la Kunsthalle zu Kiel (Germania), il Museo Nazionale della Storia Cinese (Pechino), l’Antiguo Colegio de San Ildefonso (Città del Messico) e il Kunsthaus Bregenz (Austria). Gormley ha inoltre partecipato a mostre collettive presso il Museum of Modern Art (New York), il Los Angeles County Museum of Art, la Biennale di Venezia e Documenta 8 (Kassel, Germania). Tra le grandi installazioni pubbliche ricordiamo Angel of the North (Gateshead, Inghilterra), Another Place (Crosby Beach, Inghilterra), Habitat (Anchorage, USA) e Exposure (Lelystad, Olanda).

A Gormley sono stati conferiti il Turner Prize nel 1994, il South Bank Prize for Visual Art nel 1999 e il Bernhard Heiliger Award for Sculpture nel 2007. Nel 1997 gli è stato conferito il titolo di Officer of the British Empire (OBE). Membro onorario del Royal Institute of British Architects, dottore ad honorem presso l’Università di Cambridge, insegna al Trinity e al Jesus College, sempre a Cambridge. Accademico Reale dal 2003, nel 2007 Gormley è entrato a far parte del consiglio di amministrazione del British Museum. Nell’aprile di quest’anno l’artista è stato insignito del titolo di cittadino onorario di Poggibonsi.

Per ulteriori informazioni sulla mostra e materiale fotografico:
Silvia Pichini responsabile comunicazione  press@galleriacontinua.com mob 347 45 36 136